Bildquelle：https://www.latimes.com/entertainment-arts/story/2025-08-14/rebel-architects-venice-frank-gehry-thom-mayne
An einem weiten, leeren Abschnitt des Venice Beach im Jahr 1980 versammelten sich sieben Architekten aus Los Angeles – Frank Gehry, Thom Mayne, Eric Owen Moss, Coy Howard, Craig Hodgetts, Robert Mangurian und Frederick Fisher – zu einem Gruppenporträt des Fotografen Ave Pildas.
Gekleidet in unpassende Outfits und ganz entspannt im Sand stehend, sahen sie mehr wie eine zerknitterte Rockband aus als wie die Zukunft der amerikanischen Architektur.
Das resultierende Bild, veröffentlicht im Magazin Interiors, destillierte einen seismischen Moment in der kreativen Geschichte von L.A.
Diese sieben, die in verschiedene Richtungen blicken und doch durch ein Gefühl von respektlosem Rebellieren und übermütiger Exuberanz verbunden sind, repräsentierten eine neue Generation, die eine dreiste, lockere Kreativität in ihre Arbeit brachten und begannen, sich von den ordentlich verkleideten Codes und Erwartungen der Architektur-Establishment zu distanzieren.
Jeder von ihnen würde eine erfolgreiche Karriere machen, von Pritzker-Architekturpreisträgern bis hin zu Direktoren von Architekturschulen.
Sie und ihre Mitstreiter würden, zumindest für eine Weile, helfen, ein sich rasch veränderndes L.A. ins Zentrum der gebauten Kultur zu rücken.
“Dieses eine Foto enthält eine ganze Welt”, bemerkt der Filmemacher Russell Brown, der kürzlich eine 12-teilige Dokumentarserie über die Architektur-Szene von Venedig inszenierte.
“Es gab Risiken und Freiheit; es ging nur um Ideen.”
“Es ist zu einem Referenzpunkt geworden”, fügt die Architekturjournalistin Frances Anderton hinzu, die die Serie moderiert.
“Es taucht immer wieder auf, wann immer es ein Gespräch über diese Periode gibt.”
Das Bild von 1980 ist der Ausgangspunkt für „Rebel Architects: From Venice to the World Stage“, produziert von Browns Nonprofit-Organisation Friends of Residential Treasures: Los Angeles.
Vier der Architekten – heute in ihren 70ern und 80ern – versammelten sich für ein (weit weniger dreistes) neues Foto und ein ehrliches Gespräch über ihre frühen Karrieren in L.A. und was seitdem geschehen ist für die Serie, die seit dem 1. Juli monatlich auf der Website von FORT: L.A. gestreamt wird.
Ein gebürtiger Angeleno mit einem Hintergrund im Feature- und Dokumentarfilm, Brown entwickelte das Konzept nach einem Gespräch mit dem Architekten Robert Thibodeau, Mitbegründer von DU Architects mit Sitz in Venedig.
Nach einer tiefergehenden Untersuchung des Bildes mit Anderton wurde die Idee für ein Wiedersehen geboren.
“Wir dachten, warum nicht das Foto nachstellen und dann als Ausrede nutzen, um die Jungs zusammenzubringen?”, erklärt Brown.
Er zog eine spontane, unbeschwerte Gruppendiskussion einem typischen Dokumentarfilm mit seinen Einzelinterviews und aufwendigen Produktionen vor.
“Es geht um die Chemie zwischen kreativen Kollegen”, sagt Brown.
“Das wahre Erbe dieser Architekten steckt nicht nur in den Gebäuden.
Es liegt in den Gesprächen, die sie begonnen haben – und die sie immer noch führen.”
Er fügte hinzu: „Es gibt einen Funken, der passiert, wenn sie zusammen sind … Sie sprechen über Misserfolge, Wettbewerb, Lehre, Alterung.
Es ist ein sehr menschlicher Austausch.”
Episode 1, tituliert „Einen Moment in L.A.-Architektur festhalten“, beginnt mit vier der überlebenden Architekten – Fisher, Mayne, Moss und Hodgetts -, die das semantische Foto für Pildas nachstellen und sich anschließend zu einem Interview setzen.
(Haword wurde separat interviewt, Gehry lehnte ab und Mangurian starb 2023.)
Die Gruppe zerlegt die kinematische, informelle Komposition des Fotos, in der Pildas von einem Damm herab zielt und die vernachlässigten Gebäude hinter dem eklektischen Ensemble in den Horizont schrumpfen, wo sie mit dem Sand verschmelzen.
Sie erinnern sich an eine Zeit, in der die unordentlichen urbanen Formen von L.A. und das wahrgenommene kulturelle Inferiorität endlose kreative Energie und Freiheit boten.
Pildas erinnert sich, wie das ursprüngliche Shooting auf Anfrage von der britischen Design-Redakteurin Beverly Russell zustande kam, die „Frank Gehry und einige seiner Türken“ festhalten wollte.
(Die internationale Designpresse war zu dieser Zeit verrückt nach L.A.
Anderton bemerkt, dass ihr Umzug von Großbritannien das Resultat eines ähnlichen Auftrags war, der von Architectural Review 1987 über die „subversiven Architekten der Westküste“.)
Damals arbeiteten die meisten der Architekten in Garagen und Lagerhäusern, gründeten ihre Studios und arbeiteten bei der Zusammenarbeit mit ebenso normbrechenden und (relativ) unbemerkt gebliebenen Künstlern in der schäbigen, gefährlichen, oft vergessen, aber explodierenden Venedig-Szene.
In einer späteren Episode beginnen die Architekten aufzulisten, welche Kunsttalente sie antrafen oder mit denen sie befreundet waren, einschließlich Larry Bell, James Turrell, Ed Ruscha, Fred Eversley, Robert Irwin, Robert Rauschenberg und Jean-Michel Basquiat, um nur einige zu nennen.
Basquiat lebte damals in Hodgetts’ Gebäude.
“Es war eine spektakuläre Fusion all dieser kreativen Energie”, erinnert sich Hodgetts.
“Es gab kein Publikum, es gab keine Rückhalt und man fühlte sich nicht eingeschränkt.”
Er fügt später hinzu: “Wir fühlten uns alle wie marooniert auf einer einsamen Insel.”
Pildas, der Architektur studiert hatte, bevor er zum Design und schließlich zur Fotografie wechselte, war einzigartig geeignet, die Gruppe einzufangen.
Er hatte einige der kleinen, skurrilen Experimente von Mangurian und Mayne fotografiert und kannte die meisten der anderen durch soziale und professionelle Kreise.
(Er kannte Hodgetts sogar aus der High School in Cincinnati.)
Der erste Versuch für das Foto erschien steif, sagt Pildas, also holte er einen Joint heraus, den alle außer Hodgetts akzeptierten, behauptet er.
Der Eisbrecher funktionierte.
In einem späteren Bild, sagt Pildas, umarmt Fisher Gehrys Bein, während sich die anderen um ihn scharen.
“Es wurde am Ende ziemlich freundlich”, scherzt er.
Pildas argumentiert, dass das Foto jetzt viel mehr Schichten von Bedeutung (ganz zu schweigen von Nostalgie) enthält, als es zur damaligen Zeit hatte.
„Damals war es einfach ein weiteres Magazin-Shooting.
Jetzt ist es Geschichte“, sagt er.
Moss fügt hinzu: „Relevanz, oder nicht, wird durch die folgenden Jahre bestätigt.
Anderenfalls ist es verloren.”
Frederick Fisher, von links, Thom Mayne, Craig Hodgetts und Eric Owen Moss stellen ihr berühmtes Foto von 1980 nach.
Jede Episode erkundet die Schichten des Bildes und die sich entfaltenden Geschichten, die folgten – die Herausforderungen, die Originalität aufrechtzuerhalten; die entscheidende Rolle der Journalisten bei der Förderung ihrer Arbeit; die maddeninge Diskrepanz zwischen den Talenten von L.A. und ihren Auftraggebern, zusammen mit der wechselhaften, immerwährenden Identität von Los Angeles.
Der Ton, wie das Foto, ist unprätentiös und spielerisch, starken Charakter und Geschichten verhaftet, nicht Theorie.
Das war nicht immer eine einfache Aufgabe mit einer Gruppe, die schnell esoterisch werden kann, fügt Anderton hinzu.
„Ich habe versucht, es leicht zu halten“, lacht sie.
„Ich denke nicht, dass ich sogar in der Lage bin, in der Sprache der Akademiker zu sprechen.”
“Sie machen Witze, unterbrechen sich gegenseitig, erinnern sich an Lehrveranstaltungen und Designstreitigkeiten”, sagt Brown.
„Es gibt echte Zuneigung, aber auch ein Gefühl von Rivalität, das niemals vollständig weggeht.“
Hodgetts sieht das jedoch anders.
„Es ging wirklich um die Freude, Dinge zu schaffen.
Wir wollten ein wenig jammen, zusammen auftreten; das ist wirklich lebensbejahend”, sagt er.
Es gibt einige aufschlussreiche Momente.
Mayne, dessen Firma Morphosis für kühne, stadtverändernde Gebäude wie das Caltrans-HQ im Zentrum von L.A. bekannt ist, reflektiert über das Lehren als eine Art „Vater zu sein, den ich nie hatte.“
(Sein Vater verließ seine Familie, als er ein kleiner Junge war.)
Er spricht zärtlich über die grundlegende Rolle, die seine Frau Blythe – eine Mitinhaberin von Morphosis – in seiner Karriere gespielt hat.
Fisher enthüllt, dass Gehry der Hauptgrund war, warum er alles aufgegeben hat, um nach L.A. zu kommen.
(Zu dieser Zeit arbeitete er als Schaufenstergestalter in einem Kaufhaus in Cincinnati.)
„Ich erinnere mich, dass ich diesen Architekten sah, der auf Pappmöbel sprang.
Ich konnte sehen, dass hier etwas im Gange war.
Etwas, das gärte“, sagt er.
Moss öffnet sich über seine Kämpfe, den Anforderungen der praktischen Welt zu verhandeln, während Hodgetts brillante Kritiken der Arbeiten der anderen vorträgt, oft zu breiten Lächeln, manchmal zu Grimassen.
Besonders abwesend beim Wiedersehen ist Gehry selbst, der jetzt 96 ist.
“Er befindet sich an einem Punkt in seinem Leben, an dem es nicht passieren wird, durch den Sand für ein Foto zu stapfen”, sagt Brown.
„Aber seine Präsenz ist überall.
Er ist immer noch der Elefant im Raum.”
Eine Episode erkundet, wie Gehry, etwa ein Jahrzehnt älter als die anderen, die Gruppe sowohl tiefgreifend beeinflusste als auch oft überschatten würde – eine Realität, die vielleicht durch seine lässige Dominanz im Bild selbst verstärkt wurde.
„Frank nimmt viel Sauerstoff ein”, scherzt Mayne.
Dennoch bewundern alle Gehrys Unwilligkeit, kreativ Kompromisse einzugehen, trotz oft heftiger Kritik.
Ein weiteres vorherrschendes Thema ist der bittersüße Verlust jener frühen Freiheit und des Venedigs der 1970er Jahre mit seinen atemberaubend niedrigen Mieten und seinem verwahrlosten Charme.
Heutige Architekten – wo auch immer sie sich befinden – sehen sich höheren Einsätzen, unendlich höheren Kosten und strikteren Vorschriften gegenüber.
„Das Venice, mit dem wir aufgewachsen sind, ist völlig verschwunden“, sagt Fisher.
„Aber vielleicht ist es nur umgezogen“, bemerkte Moss.
Er unterscheidet L.A. als einen Ort, dessen Energie und Aufmerksamkeit sich ständig verschiebt, und fragt sich, ob die kreative Fermentierung jetzt an weit entfernten Orten wie Tehachapi geschieht – „wo auch immer das Land billig und die Ambitionen hoch sind“, sagt er.
Während Pildas vor 45 Jahren die sieben Architekten einfing, hielt er auch die Street Culture der Stadt fest – Jazzclubs, Boulevard-Eccentrics, verfallene Kinos und bohemian Künstler.
All dies wurde im Dokumentarfilm 2023 „Ave’s America“ festgehalten (streamend auf Prime Video), der von seinem ehemaligen Studenten Patrick Taulère inszeniert wurde und seine sechs Jahrzehnte lang unprätentiöses, tief menschliches Werk erkundet.
Nach der Überprüfung der Nachstellung des Fotos – die Architekten lächeln diesmal immer noch, aber ihr skurriles Über Selbstbewusstsein scheint Äonen entfernt zu sein – fragt sich Pildas, wer die nächste Generation sein wird und wie sie aufsteigen wird.
„Vielleicht wird es passieren, dass sie eines Tages ein weiteres Bild mit einer Gruppe neuer Architekten machen“, sagt er.
„Das ist ein fruchtbares Feld für Architektur, und das war es immer.“
Dieses „fruchtbare Feld“ Angelenos aller Art zugänglich zu machen, ist das übergreifende Ziel von FORT: LA.
Gegründet im Jahr 2020, bietet es Architektur-Trails, Stipendien und eine überraschende Vielfalt an Programmen, von Design-Wettbewerben bis hin zu architekturbezogenen Weinverkostungen.
Alles, sagt Brown, wird, wie „Rebel Architects“, mit einem Gefühl von zugänglicher Freude und Erkundung geliefert – ein besonders nützliches Geschenk in einer turbulenten, unsicheren Zeit für die Stadt.
„Plötzlich denkt man ein bisschen anders über die Stadt nach und fühlt sie anders“, sagt Brown.
„Dies ist ein Ort, der es erlaubt, dass diese Art von Vision lebendig wird.”